Historia del Hip Hop

Historia del Hip Hop

IX Congreso Argentino de Antropología Social. Facultad de Humanidades y Ciencias
Sociales – Universidad Nacional de Misiones, Posadas, 2008.
La génesis del Hip Hop: Raíces
culturales y contexto
sociohistórico.
Laura Frasco Zuker y Fernando Toth.
Cita: Laura Frasco Zuker y Fernando Toth (2008). La génesis del Hip Hop:
Raíces culturales y contexto sociohistórico. IX Congreso Argentino de
Antropología Social. Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales –
Universidad Nacional de Misiones, Posadas.
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La génesis del Hip Hop: Raíces culturales y contexto sociohistórico
Autores:
Laura Frasco Zuker. Estudiante de Antropología social, Facultad de Filosofía y Letras,
Universidad de Buenos Aires
Fernando Toth. Estudiante de Antropología social, , Facultad de Filosofía y Letras,
Universidad de Buenos Aires
El surgimiento Hip Hop como complejo artístico, en la ciudad de New York en las
décadas del 70 y 80. A nivel musical, se presentaran los elementos y rasgos
característicos del genero, así como las tradiciones previas que en él se ven reflejadas.
Se desarrolla además una revisión histórica del nacimiento y desarrollo del Hip Hop,
enmarcada en su contexto sociohistórico, enfatizándolo como marco que hace posible
comprenderlo en toda su amplitud. El objetivo principal es comprender y dar a conocer
el proceso de desarrollo temprano, tanto a nivel social como musical, de uno de los
movimientos musicales urbanos más expandidos en el mundo en estos días. El trabajo
es una compilación selectiva de información obtenida mediante la revisión de trabajos
académicos sobre el tema. Se busca con esta producción hacer un modesto aporte al
abordaje de un tema escasamente relevado por la antropología de nuestro país. El
trabajo muestra, además, algunos ejemplos de cómo ciertos factores sociales y políticos
tienen efecto en la gestación y desarrollo de los géneros musicales.
Palabras Clave: Hip Hop, Rap, Breakbeats.
El Hip Hop es un movimiento artístico que se divide en los que se conocen como sus
“cuatro elementos”: MCing o Rapping (MC significa master of ceremonies, es decir
maestro de ceremonias, y se refiere a la acción de rapeár), Breakdancing o B-boying (el
baile breakdance), DJing (DJ significa disc jockey, y se refiere a la acción de
seleccionar y pasar música) y Graffiti (la conocida forma de arte pictórico urbano,
usualmente realizada con pinturas en aerosol). Estos cuatro componentes (cuyos
respectivos orígenes son diversos) conforman lo que suele denominarse como la
“cultura Hip Hop”. Esta breve caracterización pretende dar cuenta , en principio, que
hablar de hip hop no se reduce al plano musical. Este articulo abordará la música Hip
Hop (y por ende los elementos de MCing y DJing), y con el objetivo de no generar
futuras confusiones, cuando nos refiramos al Hip Hop estaremos haciendo exclusiva
alusión a la música Hip Hop, y no a al Hip Hop como movimiento artístico más amplio
o como “cultura Hip Hop”.
Los inicios del Hip Hop se remontan a comienzos y mediados de la década del 70, en
el barrio neoyorquino del Bronx. En éste habitaban mayoritariamente poblaciones
negras pobres de Estados Unidos, negros afroamericanos, y centroamericanos, en
especial provenientes de: Jamaica, Puerto Rico y Costa Rica. En menor medida se
encontraban también inmigrantes provenientes de Europa, también muy pobres, como
italianos y alemanes. La situación socio – económica era de extrema pobreza. Si bien
este rasgo ya estaba presente (desde los años ´50, a través de ajustes económicos como
reducción de presupuesto para escuelas, vivienda, aumento de alquileres) resultaba
ahora más alarmante, dado que la tasa de desempleo crecía continuamente así como la
tasa de crímenes. Es en este contexto aumentaron ampliamente las gangs (pandillas),
tanto en cantidad como en número de seguidores. Se empieza así a gestar lentamente
una rivalidad territorial que va a llegar a afectar la vida en los clubes nocturnos: como
estos lugares empiezan a ser peligrosos para la gente, se captan otros espacios como
parques, calles o patios de escuelas.
Desde aproximadamente el año 1972, un grupo de jóvenes afroamericanos
(mayoritariamente inmigrantes jamaiquinos y del caribe) empezó a organizar
blockparties o houseparties, fiestas (por lo general ilegales) en la vía publica o en
lugares particulares, en las cuales los DJs mezclaban música (principalmente funk y
soul) con dos turntables (tocadiscos o tornamesas, a los que en adelante nos referiremos
como turntables) y con equipos de amplificación conectados ilícitamente a la red
eléctrica. En las calles y parques la competencia también estaba presente, no según el
control territorial por medio de la violencia propio de las gangs, sino en términos de que
DJ tenía mejor sistema de sonido, mejor estilo, y quién atraía más público.
Son tres los DJ esenciales en los primeros años del Hip Hop: Kool Herc, Grandmaster
Flash y Afrika Bambaataa. Kool Herc, cuyo nombre real es Clive Campbell, nació en
Jamaica en el año 1955 y a los 13 años se mudó con su familia al Bronx. Grandmaster
Flash nació en Barbados en el año 1958 con el nombre de Joseph Saddler, y al igual que
Campbell se mudó junto a su familia de niño al Bronx. Afrika Bambaataa, por su parte,
es nacido en el Bronx (se supone que bajo el nombre de Kevin Donovan, aunque no se
sabe con seguridad, lo mismo que el año de su nacimiento, que algunos ubican en 1957
y otros en 1960, dudas que el propio Bambaataa no ha aclarado), pero sus padres eran
provenientes de las Indias Occidentales.
La organización de blockparties en el Bronx fue fuertemente influenciada por los
soundsystems jamaiquinos, una tradición que llegara al barrio neoyorquino de la mano
de jóvenes inmigrantes de la isla, entre ellos Kool Herc. Trazamos esta relación para dar
cuenta del intercambio musical continuo de estilos afroamericanos entre Jamaica y
Estados Unidos, del cual el Hip Hop es parte.
Los soundsystems eran camionetas cargadas con equipos de sonido (tocadiscos,
altavoces y amplificadores) manejados por un DJ o selector, los cuales difundían de
manera itinerante la música popular jamaiquina. Su formación puede deberse en parte a
la prohibición del gobierno de Jamaica de transmitir en las radios música popular
nacional existente en la época. La actividad de los soundsystems se remonta hasta la
década del 50, en los ghettos de Kingston, y desde ese momento fueron de vital
importancia en la formación y expansión de estilos emergentes de música jamaiquina
como el Ska, el Rocksteady y el Reggae. Por otro lado, los soundsystems en sus
comienzos utilizaban fuertemente discos de Rhythm & Blues de origen estadounidense,
un genero musical que tendría una influencia primordial (junto al Mento, genero
folklórico local) en la formación del Ska entre los años 1959 y 1965, el cual al mismo
tiempo conllevó a las posteriores desarrollos del Rocksteady y el Reggae. Podemos
empezar a ver aquí la relación importante de influencias entre las músicas
afroamericanas de Jamaica y de Estados Unidos, siendo el Rhythm & Blues muy
significativo para las primeras.
Hacia fines de la década del 60, el accionar de los soundsystems devino en la
gestación de una nueva forma artística, el Dub. Este nuevo estilo consistió en la
manipulación por parte de los DJs o Spinners de los discos de Ska y Reggae, creando
remixes (nuevas mezclas) instrumentales de piezas ya existentes, a las cuales se le
agregaban efectos de eco y reverberación, se le enfatizaban las frecuencias de bajo y
batería, y se le extraían la mayor parte de las partes vocales. Iniciado por el ingeniero de
sonido Osbourne “King Tubby” Ruddock y el productor Lee “Scratch” Perry, el Dub se
constituyó como el genero pionero en la utilización de las consolas de sonido como un
instrumento y el establecimiento de la manipulación de piezas pregrabadas como una
forma artística.
La casi completa eliminación de la líneas vocales en los remixes Dub tenía como
objetivo dar lugar al toasting: el agregado de frases y rimas habladas por sobre la
música, en principio orientadas a incentivar a la audiencia al baile. El aporte vocal podía
constar de comentarios jactanciosos, rimas cantadas, cánticos rítmicos, gritos y
chillidos. Los contenidos de los distintos toasts incluían también temáticas sociales y
políticas. A través de los inmigrantes jamaiquinos (y caribeños en general), el Dub y el
toasting tendrán una fuerte influencia en la gestación del Hip Hop y del Rap, lo cual
refuerza el intercambio musical entre Jamaica y Estados Unidos al que antes hicimos
alusión.
El contexto socio – político en la década del ´70 se caracterizó sobre todo, por la
fuerza que cobran los movimientos nacionalistas negros. Si bien ya se venían gestando
desde los ´60, en parte motivados por los procesos de descolonización que estaban
ocurriendo en África, en Estados Unidos, estos movimientos se caracterizarán por el
carácter común de opresión de los afroamericanos, quienes se empiezan agrupar en
organizaciones de negros, promoviendo sus derechos y creando una cultura e identidad
negra. Por otro lado, desde el gobierno se abren espacios hasta entonces cerrados para
los ellos: se promueve, por medio de la aplicación de nuevas políticas, el desarrollo de
la industria musical como modo de darle un lugar a su propia expresión, y se reconocen
legalmente sus derechos civiles como una muestra de integrarlos formalmente a la
sociedad americana.

Para fines de los años ´70 el Hip Hop se había expandido mucho más allá de las
fronteras del Bronx. Esto fue posible, en principio, por la diversidad de lugares físicos
en los que tenía lugar: parques, escuelas, calle, edificios. Y, por otro lado, por la idea de
una identidad común que plantea el nacionalismo negro, que hace que se privilegie más
el costado comercial y de expansión del Hip Hop que las diferencias, en ese entonces
expresadas en la rivalidad territorial entre las gangs. La comercialización provoca
entonces la expansión de este fenómeno así como la apertura hacia un público distinto
del afroamericano: los blancos se ven atraídos también.
Hay entonces 3 momentos fundamentales y posibles de distinguir, claves para el
desarrollo del Hip Hop. A principios de la década del ´70, se trata de un fenómeno de
afroamericanos y centroamericanos que habitaban el Bronx. Dada la situación de
pobreza, criminalidad y marginalidad vivida en este lugar, las letras hacían referencia a
lo que allí ocurría. Las fiestas en donde los DJs mezclaban los discos ocurrían en discos
y edificios custodiados por las gangs.
Durante la década del 70, hasta 79, identificamos una primer etapa de desarrollo
incipiente. Kool Herc es considerado el padre del Hip Hop por ser uno de los primeros
en realizar blockparties desde el año 1972 aproximadamente, fiestas musicalizadas por
los émulos del Bronx de los soundsystems jamaiquinos. La tradición de manipulación de
arte pregrabado del Dub formó parte esencial de estas fiestas, aunque su introducción en
Estados Unidos había sido realizada por los DJs de la música disco, que ya aplicaban y
dominaban algunas de sus técnicas de reproducción. El Funk, el Soul y el Rhythm and
Blues fueron los géneros principalmente reproducidos en las blockparties, las cuales
tenían como objetivo principal incentivar al baile.
Las canciones de Funk solían incluir un fragmento que presentaba un corte
instrumental, centrado principalmente en la sección rítmica. Estas secciones-puentes de
corta duración que se conocían como breaks o breakbeats enfatizaban en el ritmo de la
canción (el bajo y la percusión), mientras que disminuían el valor de la melodía y el
canto. Los breaks eran las partes más efectivas para el baile, las favoritas de los
primeros b-boys, por lo que los DJs inventaron técnicas para poder extenderlos
(mediante la utilización de dos discos idénticos, sincronizándolos) y combinarlos,
formando así nuevas creaciones musicales. Éstas resultaban propicias para que los bboys desplieguen su talento. Se destacaban en este arte los puertorriqueños, mientras
que los negros estadounidenses eran mejores como DJs MCs.
La importancia de los breakbeats es fundamental en la historia del Hip Hop, ya que
define una de sus características esenciales: la apropiación a modo de reciclado de
piezas pregrabadas en una creación nueva y original. La apropiación artística tiene
inicio dentro del Hip Hop en el uso de los breaks, pero se mantiene como uno de los
elementos centrales del estilo a través del sampling (la apropiación de una porción de
una grabación sonora previa para su uso como un instrumento en una nueva grabación),
que es una técnica utilizada muy extendidamente por los artistas de Hip Hop, si bien no
fue aplicada hasta principios de los 80.
El Funk era la fuente principal para los breakbeats y las performances de los DJs,
principalmente la obra de artistas como James Brown, George Clinton (en sus dos
bandas Parliament y Funkadelic), Sly & the Family Stone, Kool & the Gang y Curtis
Mayfield. Es importante destacar esto, ya que la fuerte relación e influencia del Hip Hop
con el Funk permite trazar una conexión con una larga tradición de géneros musicales
afroamericanos. El Funk es una variedad del Soul iniciada principalmente a partir de
James Bronwn. El Soul forma parte de la tradición del Rhythm & Blues, el cual se
conecta también con el Gospel, el Blues y el Jazz.
Si bien el Funk era la fuente primordial, los orígenes de los breaks podían ser muy
variados, en una mezcla que podía incluir Rock o Heavy Metal, música clásica o
distintos géneros de música caribeña como el Mambo o la Rumba. Es muy importante
destacar que en primer instancia el Hip Hop fue una forma de expresión musical que no
requería necesariamente el dominio de instrumentos musicales, sino que únicamente el
conocimiento técnico para la manipulación de los equipos de reproducción, en
asociación a una selección y mezcla creativa de piezas musicales.
Paralelamente a la actividad de Kool Herc y otros DJs en las primeras blockparties
otro grupo de DJs con una propuesta muy similar recorría el circuito de clubes
nocturnos de los cinco distritos de New York. Pete DJ Jones fue el principal DJ de la
ciudad durante los años 73 y 74, y solía presentarse acompañado por algún MC, que
ejerciera el oficio de maestro de ceremonias incentivando a las multitudes con su
prédica. Los MCs más importantes que acompañaron a Jones fueron JT Hollywood, JJ
The Disco King y “Love Bug” Starsky. Si bien el estilo de las performances de los DJs
del Bronx y de los clubes Disco tenían mucho en común, existía una fuerte oposición
entre ambos. Pete DJ Jones y Kool Herc se despreciaban entre si. La separación entre
los dos circuitos también correspondía al publico que asistía: los jóvenes negros del
Bronx y de Harlem frecuentaban a las fiestas en las calles y en las mismas desarrollaban
sus técnicas de baile como b-boys ( break-boy, beat-boy o bronx-boy), mientras que
buena parte de los asistentes de los clubes Disco eran afroamericanos de clase media y
alta. Los clubes eran los espacios propios de la música disco, mientras que el lugar del
Hip Hop era la calle. Además de Jones, otros DJs Disco importantes fueron DJ
Hollywood, Eddie Cheeba y DJ Junebug.
Kool Herc se presentaba con su soundsystem solo en el Bronx y en Harlem.
Rápidamente formo un grupo de b-boys seguidores que se autodenominaron herculoids.
Al igual que los DJs Disco, Herc era acompañado por distintos MCs, quienes arengaban
a los asistentes de las fiestas mediante esporádicas rimas y cánticos. Grandmaster Flash
sucedió a Herc en importancia, mediante su experimentación y mayor desarrollo de
técnicas de turntable precursadas por el segundo. Flash es el creador de técnicas como
el cutting (el uso de dos copias de el mismo disco en dos turntables, para una mayor
extensión de los breakbeats), el phasing (alteración de las velocidades de reproducción),
el scatching (obtención de un sonido distintivo mediante el movimiento de los vinilos
para adelante y para atrás) y el backspinning (reproducción al revés).
En acción desde el 74, Grandmaster Flash se unió con Cowboy, su primer MC, en el

76. Este último más delante pasaría a formar parte de los Furious 5, un grupo de MCs
    que acompañaban las presentaciones de Flash. La conformación del mismo fue de
    esencial importancia para el desarrollo del aspecto vocal en el Hip Hop, por el avance
    que implementaran en términos de complejidad y extensión de las rimas. Los raps de los
    Furious 5 eran mucho más parecidos a los que conocemos hoy en día.
    En este mismo momento, en el Bronx, Afrika Bambaataa, un joven líder de una de las
    gangs, influenciado por estos movimientos nacionalistas y tomando como referentes a
    luchadores negros como Malcom X y Martin Luther King, propone pensar no tanto en
    la rivalidad entre bandas sino en los aspectos comunes que hacen a la gente del Bronx.
    Él va a transformar a la banda de la cual es líder en un grupo activo de la cultura del hip
    hop, viendo a ésta como un modo de educar a los jóvenes propagando mensajes de
    liberación y conciencia de una identidad negra, para salir así del circuito de violencia en
    el que habían entrado estas bandas y para identificarse más con el aspecto de unidad en
    torno al Hip Hop que con la pertenencia a tal o cual banda. Este grupo, la Zulu Nation,
    definió sus principales valores como: “Peace, Unity, Love, and Having Fun”. Por tener
    un marcado énfasis en la unidad cultural más que en las diferencias entre grupos, y por
    ser Africa Bambaataa uno de los primeros exponentes del Hip Hop, va a tener mucha
    influencia y expansión por Estados Unidos. Como resultado, la imagen del Hip Hop ya
    no va a estar tan estrechamente ligada a la opresión y violencia sino más bien a una idea
    del Hip Hop como herramienta de autodeterminación, de creatividad y ni sólo como
    exclusivamente perteneciente a los negros del Bronx.
    Todos estos cambios que van transformando al Hip Hop, dejan verse claramente en
    las diferencias en las letras de temas en distintos momentos. Durante la década del ´70,
    las letras hacían referencia a la realidad del ghetto, a la miseria, los crímenes, la
    desigualdad. Es decir que estaban bastante asociadas una la realidad local, queriendo
    mostrar lo que pasaba en ese lugar en particular. Más adelante, casi llegando a los ´80,
    las letras dejan ver un claro contenido político, de crítica y a la vez de necesidad de
    agruparse en torno a la cuestión de la defensa de los derechos de los negros. Artistas
    como Public Enemy y X- Clan, hablaban del sentimiento nacionalista, pero sugiriendo
    prácticas concretas como la organización de instituciones que brindaran un soporte
    filosófico y político a la cuestión de la identidad negra. No por nada, Chuck D (Public
    Enemy) dice: “El rap es el CNN del gheto”
    En este punto es interesante indagar sobre el rap. En primer lugar, en ingles británico
    la palabra rap ha tenido históricamente el significado de “expresarse oralmente”. La
    palabra fue adoptada por el slang afroamericano desde 1960 aproximadamente,
    usándose como un verbo (mantener una conversación, o discutir informalmente) y como
    un sustantivo (un monologo largo). Desde su adopción por el Hip Hop, la palabra rap
    pasó a definir las líneas rimadas rítmicamente propias del género.
    Ya que la mezcla de discos se empieza a volver un arte en sí misma los DJs
    necesitaban de un MC (master of ceremony), cuya función era la de hablar
    intermitentemente usando frases que arengaban a la gente, o la de recitar sobre el ritmo
    que mezclaba el DJ y así motivar a la audiencia. El hecho de que se separen estos roles
    que antes realizaba el DJ, fue dando lugar a una etapa de experimentación de los DJs:
    perfeccionaron sus técnicas, creando modos por medio de los cuales los discos sonaban
    continuadamente, y así no se interrumpía el flujo de la música.
    Si intentamos trazar las influencias desde el punto más cercano, la música jamaiquina
    y caribeña fue fundamental, como ya hemos estado mostrando. El toasting es un
    precursor directo del rap, y muchos alinean a ambos en una tradición que se remonta a
    los griots de África Occidental. Los griots son poetas y músicos ambulantes,
    divulgadores de la tradición oral, las costumbres y los valores de su cultura. En esta
    línea se ubicarían también el Blues y los Spirituals. Retornando a influencias más
    inmediatas, muchos rappers han remarcado la importancia de la poesía Jazz, de artistas
    como los Last Poets, los Watts Prophets o Gill Scott-Heron (autor del muy famoso “la
    revolución no será televisada”). Estos artistas recitaban sus poesías sobre bases
    percusivas o música jazz. Lo que diferencia al rap de estas formas de arte verbal es su
    cadencia rítmica, que se conoce con el nombre de flow.
    El año 1979 se toma como apertura de una segunda etapa, ya que si bien a fines de los
    años ´70, el Hip Hop era un fenómeno que trascendía las fronteras del Bronx, en este
    año se graba y comercializa el primer disco de rap: “Personality Jock” de Kim Tim III.
    Asimismo, Grandmaster Flash and the Furious Five lanzan su disco Super Rappin´Nº 1
    Este mismo año, el trío de músicos The Sugarhill Gang, lanzan a la industria
    discográfica el tema Rapper´s Delight, resultando ser un éxito al punto de que se lo
    tome como suceso clave de 1979. Es a partir de la repercusión que genera este tema que
    las compañías discográficas empiezan a interesarse cada vez más en el rap.
    En 1982, con la propagación del mensaje de la Zulu Nation por medio de la
    comercialización de Planet Rock de Afrika Bambaataa , se abre la tercera etapa del hip
    hop. Su principal característica es la expansión por todo Estados Unidos y fuera de este
    país. En el ´82, Grandmaster Flash and the furious five graban el famoso tema The
    message. Un ejemplo que muestra el reconocimiento al que había llegado el rap y la
    influencia que tenía en todo el mundo, es el lanzamiento del primer rap cantado por una
    blanca: el tema Rapture interpretado por la cantante de Blondie
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